PODCAST

+ PLATAFORMAS

Chad y Jared Moldenhauer​ son dos hermanos canadienses que saltaron al gran mundo de los videojuegos multiplataforma en 2017 con el lanzamiento de Cuphead. Las innovaciones tecnológicas para producir estetismos fueron muchas veces concebidas como la degradación cultural por parte de los defensores sacrosantos de las artes consagradas, pero cuando del otro lado hay dos personas que hipotecan sus casas para dedicarse mañana, tarde y noche durante más de siete años para producir el videojuego soñado, es indiscutible creer que nos dieron la creación de una obra nacida de sus manos al modo en que el director arranca los sonidos de una cuerda de violines Stradivarius. Cuphead es un videojuego de plataformas de scroll lateral en 2D de género “run and gun” del tipo “shot ’em up”… corre como su hubieras visto la luz mala y agarrá lo que puedas en el camino para llegar a darte de bomba con el boss cuando llegués al final del camino infernal. Como tributo a una época de creaciones delirantes y surrealistas, el juego obtuvo en una animación nipona del ´30 los personajes y grafismos que inspiraron la forma para la epopeya de los héroes en carrera; y fue Kristofer Maddigan, percusionista de orquestas consagradas en el país al norte del norte, en el encargado de componer una una banda de sonido de tres horas traídas de los años locos del ´20 y ´30, cuando el jazz se convirtió en una pared de sonido para cobijar las libertades.

Para hacerte una visagra entre la mañana del primer día de fin de semana, el almuerzo y la tarde. Una entrega más en la que aproximarse a la vida y obra de Ástor Piazzolla, el músico que expandió los límites de este folclore de aquí para que el mundo entero se rinda a los pies de una belleza melódica que eleva en cada motivo.

Fotógrafa, artista visual, creadora de estonoesfotografia.com y agitadora en @mujerescreadorasdeimagenes. Dice que es necesario “Pensar no sólo en el discurso visual sino también en la palabra que acompaña ese discurso”. Siente la Pandemia como un momento de corporalidades nuevas, fragmentos del cuerpo en la pantalla, “una multiplicidad de imágenes que soy en la pantalla”. Dice, “hoy todes estamos capturando imágenes y deberíamos preguntar ¿Cuál es el deseo/necesidad detrás de ese gesto?”. Propone “darle a la imagen el valor de una herramienta para el pensamiento propio”. Sus talleres se han transformado en espacios sólo para mujeres y comenta que “Pensar la imagen entre mujeres es pensar la vida cotidiana de las mujeres”. Su deseo en el Futuro Fotográfico es que “mucha de la fotografía desaparezca”.

Armen Grigorian es de la región del Cáucaso, territorio en los que los pueblos del lugar hunden sus raíces profundas en el tiempo, hasta antes del diluvio universal, y sus culturas son el fruto de la historia que ocurre en miles de años. Les armenios conocen las furias de los imperios que se apropian con el ejercicio del terror. Esa bisagra de Europa y Asia sufrió los vaivenes de los poderes en ciernes y en declinación, y su pueblo resistió una y otra vez los cambios violentos de un mundo en perpetuo conflicto. Paradójicamente, son un pueblo de paz… que sólo quiere su autodeterminación, más allá de los caprichos de los vecinos que no dudaron en arrebatarles el respiro y produjeron el genocidio de una suma de personas que se cuenta como una deuda e incógnita histórica. Los intelectuales armenios fueron los primeros en caer en la tragedia porque seguro conocían las palabras de Mikael Nalbandian: “Cuando Dios, que es por siempre libre / sopló vida en mi cuerpo terrenal / desde ese primer día, por Su libre albedrío / me convertí en un alma viviente / un bebé sobre el pecho de mi madre / antes de que me fuera dado el poder de la palabra / incluso entonces estiré mis débiles brazos / hacia adelante para abrazarte, Libertad.”

Federico Naguil es un oriental de América del Sur, tierra de las posiciones firmes y las desobediencias correctas a los dictados porteños de los sueños chicos para pensar la revolución, la independencia y la libertad. El pueblo de los Charrúas, de los llanos y los litorales, supo desde aquel origen que las fronteras no tenían que separar a los hermanos y fueron valerosos, milongueros, para plantear que Entre Ríos y Santa Fe contenía familias a uno y otro lado de la Cuenca del Plata. La milonga, desprendida de la guitarra orillera, junta el horizonte con el último foquito de la ciudad y expresa la pertenencia a la tierra de unas almas que ven nacer el día al calor del mate. Sobre los pueblos que cobija aquel país, quizás esta secuencia de algunas pistas: tal como dice Alfredo Zitarrosa “la milonga es hija del candombe, así como el tango es hija de la milonga”, y hay al parecer una nota que da la clave de las personas de allí.

Pablo “El Tano” Borgia es un zapalino en el que los vientos del sur hacen resonar las cuerdas de un fuelle que interpreta el sentir rioplatense extendido por la tierra. El tango, controversia de un ser hecho de múltiples partes, y justo por ello profundo-pesado-ligero es quizás, como lo expresó Borges “un símbolo de felicidad… de suponer que esto sea eterno, creo que hay algo en el alma argentina, algo salvado por esos humildes, y a veces anónimos, compositores de las orillas, algo que volverá… es decir, creo, en suma, que estudiar el tango no es inútil, es estudiar las diversas vicisitudes del alma argentina”. En “El gordo triste” hay una imagen que repone algo de la mezcla intensa de la que estamos hechos: “¿De qué Shakespeare lunfardo se ha escapado este hombre / que un fósforo ha visto la tormenta crecida / que camina derecho por atriles torcidos / que organiza glorietas para perros sin luna?” y finalmente un reclame para sus herederos: “No habrá nunca un porteño tan baqueano del alba / con sus árboles tristes que se caen de parado / ¿Quién repite esta raza, esta raza de uno / pero, quién la repite con trabajos y todo?

Juan Rolón es un artista al que muchas veces es posible ver sin oir, pero cuando surge la posibilidad de escucharlo, el timbre de su voz y las entonaciones de su hablar traen la memoria de una tierra en la que una vez hubo el Reino del Jauja. La selva paraguaya debe provocar personas así… personas de paz sin necesidad de pelear por el vivir cada día… el problema es que muchas veces a esa selva llega la civilización y cabe la pregunta por quiénes son los salvajes. La región del Paraguay supo dar tempranamente muestras de valía, determinación y desarrollo, y ello puso algo locos a los señores de galera y monóculo al otro lado del mar, que en su perfecto inglés no dudaron en encender la llama de un fuego devastador… y los siempre primos pobres de los estancieros no dudaron en alistarse como obedientes alumnos de los dictados del norte. Juan Rolón cuenta “El canto de mi selva” como su selva personal y transmite la ganas de identificarse con el verde intenso y el calor húmedo. Ni siquiera la violencia de Stroessner pudo imponer el silencio a Herminio Giménez, cultor de la belleza, heredero de la música, creador de la posibilidad remota, fundador de sueños reales en tierras vírgenes.

Fernanda Zinelli resguarda una postal en movimiento y con sonido de los domingos de su infancia. Su madre nacida en Italia hacía sonar “Il ballo del mattone” mientras amasaba la pasta para la familia. Hay un definición insostenible por cuestión sociopolíticas y la necesidad del reconocimiento de los otres en la justa medida que permita vivir a todes, pero que se puede expresar para decir un poco de verdad sobre las personas de esta tierra; se dice que les argentines somos italianes, que hablamos español, nos creemos caballeros y ladys ingleses y anhelamos vivir en Francia… y algo de esto hay, porque en diez millones de personas de nuestro país hay raíces italianas, vivimos en un territorio que se independizó del imperio español, que instituyó con espada y sangre su lengua, que nos creímos siempre el verso de los “bien educados” que toman el té a las cinco de la tarde y nos olvidamos que son hijos, nietos y bisnietos de marinos imperiales y piratas criminales, y nos cegamos con las luces de la metrópoli en la que nuestros hacendados y sus herederos despilfarraron la guita de las vaquitas en el Moulin Rouge embriagados por los aromas del perfume francés. En cualquier caso, es verdad que les italianes vinieron a esta tierra, y lo hicieron como personas de trabajo para darnos la pasta, el lunfardo y el tono provocativo que inspira el romance.

Nelson Vargas es un cubano de ley que conoce las mieles de la tierra del sol. Según dicen de manera acertada las equivocadas crónicas de las indias, que al pisar aquel suelo Cristobal Colón se rindió de rodillas ante la belleza y aseguró, con el mundo como testigo, “Esta es la tierra más hermosa que ojos humanos hayan visto jamás”… y quizás la frase fue el conjuro para convertirla en el tesoro disputado de los apropiadores seriales. Que distinto sería todo si la autodeterminación de los pueblos no se encontrara bloqueada por los caprichos extranjeros que apuntan sus veleros al caribe para hacerse una vida de vacaciones… porque cuando a un pueblo de paz se lo deja tranquilo hace su camino sin joder a nadie, mostrando todo lo que se puede: la Organización de las Naciones Unidas sostenía a inicios del nuevo siglo que Cuba era el único país del mundo que cumplía los dos criterios que, para la organización global “Fondo Mundial para la Naturaleza”, implican el desarrollo sostenible: alto grado de desarrollo humano y huella ecológica sostenible. Hay sociedades que pueden provocar a las Personas Nuevas, pero en diversidad, hay que dejarlas ser en sus propios términos; y seguramente ellas nos demostrarán en su auxilio como sobrellevar humanamente las crisis y darnos nuevas formas. Y como reza la canción “aunque digan lo que digan / (cubano pa lante!) / cubano siempre seré / de san antonio a maisí / siempre te defenderé / aunque la calle esté que arde / cubano sigue pa lante / que nunca fuimos cobardes”… para sabernos felices y bailando en nuestras valentías.

Sergio Marilaf es un artista visual de origen Mapuche de Choele Choel, que propone escuches “Lo Que No Voy A Decir” de SubVerso + Portavoz. Hay un silencio que expresa el vacío del horror…pero no existe el vacío… por lo que el trauma del encuentro llenó de horror esta tierra en la que desde hace cinco siglos, rojo y amarillo se mezclan en la injusta apropiación del saqueo sistemático que las coronas, sus marinos, corsarios y piratas perpetraron con la buena conciencia de una moral cruzada. La invención de América no fue el imaginativo gesto creativo de un niñe que descubre el mundo cada día, sino la forma perversa de un proyecto político viciado por el dorado de un metal que envenena el alma de las personas. Chile y Argentina cuando se aprestaron a darse forma no esquivaron la tradición que impone el derramamiento de la sangre de quienes se considera son un “peligroso otro”, y practicaron sus “Procesos de Organización Nacional” a punta de bayeta, plomo y pólvora para establecer los límites de un poder que, al quedarse con la tierra, remató en los Patio Bullrich las agenciadas leguas de campo patagónico. Hoy, como vigías de una prisión que no permite ningún motín, algunos gobiernos aplican las normas de un derecho que vuelve ciudadanos legítimos a unos y terroristas a otres… pero como dice la sabia voz de una mujer dulce: “…es la lucha de todo hombre, de toda mujer, de todo niño, que tenga un espíritu libre y amante con los seres vivos de la naturaleza”.

Álvaro Coria es un escultor mejicano radicado en el Alto Valle, cultor de una tradición artística que se remonta en los siglos del continente y resguarda lo que él expresa sobre su país de origen: “México tiene un trasfondo de magia en todos sus aspectos, no?”. Nacido en la ciudad fundada por los mexicas bajo el nombre de Cuauhmixtitlan y renombrada México-Tenochtitlan en homenaje a Ténoch, recibió como un rayo la epifanía del arte de la mano de su padre a los cinco años… y fueron los prehispánicos, antes de la espada de Hernán Cortés, los olmecas y los toltecas, quienes con su vinculación a la piedra y el calendario maya lo atraparon hacia la escultura. Álvaro reconoce a “Cielito lindo” como símbolo musical arraigado en el pecho, y esa definición no hace más que reponer el embrollo histórico que sujeta a nuestros seres en esta tierra. La polémica sostiene que la composición de Quirino Mendoza y Cortés, como tributo a Catalina Martínez, se hizo con “préstamos” de versos populares andaluces; y es una vez más la coma (“,”) a la que se pide venga a poner algo de orden en la mescolanza de la historia porque no vendría a ser lo mismo “De la Sierra Morena, cielito lindo, viene bajando” que “De la sierra, morena, cielito lindo, viene bajando…”. Álvaro nos trae lo que somos: una diversidad heteróclita que cambia según las puntuaciones de la historia, sin gramática, gracias al cielo, que nos venga a poner orden.

Alan Tetchiev es de la República de Osetia del Norte-Alania, un pequeño país con miles de años de historia situado sobre la ladera norte de la Cordillera del Cáucaso. Este territorio bisagra de los mundos occidentales y orientales conoce las fortunas de la ruta de la seda y las desgracias de los imperios crueles. Al parecer siempre hay algunos “otros” que pretenden apropiarse de un “nosotros” y conducir los destinos “ajenos”; pero cuando el pulso de una sangre con memoria de su tierra late imparable, los pueblos siempre vuelven a levantarse para hablar su propia lengua. Los alanos perviven en los osetios para entrar de pie en el nuevo siglo pese a los sinsabores de la historia reciente. ¿Qué personas se forjan en el seno de esas fuerzas vitales desatadas por imponerse?… personas fuertes y profundas… Alan es la ternura de un amor que sabe y puede provocar la belleza con la dulzura de la música… la voz de Alan es la conjura, a través del sonido, a una paz duradera para provocar lo mejor que nos podríamos dar como vida compartida.

Viviana Portnoy y Adrián Álvarez produjeron “In Situ”, retratos y reflexiones de artistas durante la pandemia del Covid-19. La experiencia del distanciamiento social preventivo y obligatorio puso a todes tras sus rejas y los cuerpos internados en la propia casa provocan un alma que se pregunta por y reclama humanidad… nunca tan prójimos como cuando no se está próximo; las ausencias de nosotres en los otres y de elles en mí, revelan que lo velado y lo vedado se impone como un extenso y profundo abismo al otro lado de la puerta. Las fotografías de “In Situ” atraen con la fuerza de los ojos que miran la lente y muestran las almas (¿calmas?) en el tiempo del adentro dictado. Nuestra humanidad de hoy nos reclama no vernos para cuidarnos y los cuerpos con sus voces surgen como los testimonios de una época en la que es preciso repetir: aquí estamos, estos somos, y esto es lo que nos ocurre.

Desde ciudad de México, charlamos con Isabel Toledo @isabelodelot Actriz, lectora voraz, feminista. Gestora cultural y curiosa imparable. Desde 2015 dice que NO HAY FUTURO POSIBLE con su propuesta de Teatro telefónico que hoy tiene en cartela virtual. Dirige la compañía @pentimentoteatro donde investiga entre el teatro y la performance junto con @itzelnataparicio En tiempos de pandemia, piensa en “Todas las historias de confinamiento que necesitan ser contadas”. Su última producción “No hay futuro posible” podes encontrarla en bit.ly/nohayfuturoposible. Seguila en sus redes @Isabelodelot

Yamila D´Herlein vive el tango y se desliza por la pista desde hace veinte años. Es una referente en la norpatagonia que se consagró a nivel nacional en 2019 cuando, junto a su compañero de baile, ganaron el Campeonato Argentino de Tango Social en la categoría de Tango de Salón. Sus años en el mundo de los cortes y las quebradas la llevaron por diferentes lugares porque tiene un arrojo vital de entrega completa por lo que elige. Hace mucho tiempo que Dirige la milonga el Esquinazo, organiza clases maestras con grandes bailarines y dicta el taller municipal de la ciudad. También desde hace un tiempo anima la pista desde las bandejas del Dj y pasa la música que mueve la danza. Empezó por arrojo, mando fruta al inicio, aprendió, afinó la intuición y se constituyó en la elegida por muchos a la hora de tener que seleccionar al responsable del programa nocturno. Primero Fiske, luego en el Valle, llegó hasta Cuyo, pasó por Buenos Aires y finalmente de gira en Nueva York, musicalizó la Astoria Tango Club en el centro de Nueva York. Esa música del Río de la Plata vive en la sangre de quienes sienten Buenos Aires, sus callecitas y puertos en cualquier lugar del mundo.

John Lennon y Yōko Ono dispararon sus cañones llenos de flores durante dos semanas en una encamada pública que atrajo las lentes de las cámaras durante la performance de su luna de miel. Dos consignas sintetizaban una concepción de la geopolítica que pretendía reestablecer mediante otra lógica las relaciones globales: “La Guerra ha terminado” y “Todo lo que decimos es: dale una oportunidad a la paz”. La tragedia del siglo XX es haber parido la forma imperial gestada durante siglos por las potencias civilizadas de la iluminada y pulcra Europa moderna… cuando los libres, fraternos e iguales franceses tuvieron que abandonar, por haber perdido gracias a la resistencia inclaudicable a la que no se le agota el tiempo cuando se reproduce generación tras generación, luego de diez años de conflicto desatado en su colonia Indochina, la naciente potencia de la muerte planificada bajo los perfectos “estándares oil y ford the power of nation”, tomó la posta para echar napalm en las heridas. Los artistas no definen la geopolítica, pero a veces, cuando son muy conocidos, dejan un testimonio que ayuda.

Gastón Mariani es heredero de la inclinación a la palabra, búsqueda de sentido y necesidad de dat testimonio que se remonta hasta la vida de un tío abuelo que arraigó en la tierra como peón y obrero de vialidad. “Poemas sin lillos”, editado por Kuruf, es el primer libro que permite circular a los escritos que se acumulan desde los quince años, cuando aún los grafemas en el papel eran sólo unos garabatos que no gustaban pero permitían la conexión del plexo con el mundo exterior. Hay una paradoja en nosotros como especie… podemos comunicarnos pero siempre con error… podemos estar juntos pero distanciados… pareciera ser que todo lo que podemos decirnos entre nosotros cae en saco roto, pero eso no quita el intento constante de hacer saber lo que pasa en nuestra habitación un día cualquiera a las 12 am.

Lautaro Acuña nos cuenta sobre RITO, tema que compuso y desarrolló junto a ALE y Diamond en el tiempo de la pandemia. Los “pibes que están en la lucha” alzan el puño por el Hip Hop porque la música los alza a ellos y los lleva con las rimas lanzadas al viento hacia la redención de las experiencias duras. Les pibes de la cultura urbana construyen su mundo con palabras duras que ablandan la realidad para hacerla soportable y darle las formas en las que ser les artesanos de sí mismos. ¿Adónde nos llevarán les chiques de la nueva generación con sus arrojos por decir los dolores y las injusticias de todo aquello que amordaza? Si el hip hop no se vuelve sólo el negocio de los hombres viejos y gordos quizás pueda ser el puente hacia el nuevo mundo… un lugar gobernado por leyes diferentes que conviertan a los trágicos perdedores del presente en las personas del buen vivir… por eso, que los escalones se llenen de pibes, que las rimas fluyan terminando las mentiras y que las voces liberen las almas de los candados diarios que encierran las ganas.

Bandas Sonoras: “¿De quién es el portaligas?”

¿De quién es el portaligas? es el segundo largometraje realizado por el músico argentino Fito Paez, quien concibió la idea en un viaje de 8 horas desde Nueva York a California, al escribir una escena que durante muchos años usaba como relato para provocar la risa en las reuniones. Como un artista consciente de lo necesario que es provocar a la industria cultural para que cobije el trabajo de músicos, actores, maquilladores, y todos los demás que participan de los productos audiovisuales, decidió rodar la película en Rosario, su ciudad natal, y convocar decenas de artistas. Dejó en la imaginación creativa de Gonzalo Aloras la composición de la banda de sonido y este referente del pop rosarino cumplió con creces la tarea de crear una atmósfera que reconstruyera el humor de la primavera democrática en una gran ciudad, cuando las sombras de la noche se habían retirado de la calle y la música, las deshoras y los consumos ilegales empezaron a ganar terreno.

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Cápsula de Tango. Capítulo 5. Piazzolla. Parte 1.

Piazzolla nace en el tango por el arraigo que esta música tenía en el corazón de Nonino. Hay en él un doble desarraigo que se sostiene y se cura por la voz del Zorzal sonando en un departamento de Nueva York cada noche. En aquella ciudad se produce el encuentro que le anuncia a un joven adolescente que el tango lo espera y resguarda un lugar para él en su historia. Gardel toma de la mano a un pequeño Ástor y lo conduce hacia el ojo de la cámara para que la historia registre que su genio está marcado por el signo de Buenos Aires. Ciudad a la que volver cada vez para hacer la vida y elevar la expresión local hacia la cultura universal.

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Mariano Fiero recomienda “Mas quel mundo”

Mariano Fiero es un músico de Buenos Aires que se pasa las horas entre los instrumentos y la carpintería, porque las maderas nos ponen a tierra y claman con su aroma. En este podcast recomienda “Mas quel mundo”, un cortometraje escrito y dirigido por Lautaro Nuñez de Arco en 2004. Lo podés ver en cine.ar y al riesgo del spoiler te contamos que: pocas veces el querer y la lealtad se pudieron mostrar tan bien como en estos doce minutos realizados para condensar las pasiones que en una escalada de intensidades desenlaza en una libertad hacia el sol que, quizás esta vez, no se quería por el buen tiempo que supimos compartir.

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“Ducha de lágrimas” x Matías de la Guerra

Matías de la Guerra es un joven artista salteño radicado en Buenos Aires que vive en la Residencia para artistas Zona Imaginaria y realiza el Programa de Artistas 2019/2020 en Di Tella. En el año del virus presentó Ducha de lágrimas sobre la que dijo: “mi obra es autobiográfica y habla de obsesiones que fueron apareciendo durante mi infancia a causa de situaciones familiares. Movimiento, cabellos, el color amarillo, íconos, pop, son características con las cuales me identifico.” Sobre la obra la curadora Nancy Rojas escribió: “La muralla táctil ya existe, y por lo tanto es hora de hacer valer otro tipo de contacto. Llamémosle a esta alternativa “toque de seda”. Entonces, que los pelajes olientes sean de seda, que las lenguas, los cuerpos orgánicos y las pieles sean de seda. Que las geometrías tranquilizadoras sean de seda también. Porque en la seda puede hallarse el origen surreal del mundo. Si de seda fuéramos nos aunaríamos definitivamente con las especies silvestres para conspirar contra las grandes máquinas de exterminio de humanes y animales deviniendo entre retazos de tela.”

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Set x DJ Dallas

Olivia conocida como dj dallas nacida en la ciudad de Neuquén, Patagonia Argentina, su curiosidad por la música comenzó a mezclar sus primeros temas en fiestas locales, a fines de los 90 abrió su corazón al minimal techno, escuchando sus primeros discos del estilo de Ritchie Hawtin Aka plastikman, mauritzio etc.armando su variedad musical con los sonidos de Detroit como Juan Atkins, inspirada también en Kraftwerk y Carl Craig. Compartió cabinas con muchos dj locales y nacionales. Hoy en la actualidad ha ampliado su sonido partiendo desde el hip hop, house, minimal y tech house. set que suena en la pista y mueve hasta las estatuas! Ahí se ven.

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“Twist and shout”

Twist and shout o Shake It Up, Babe es un éxito musical comercial compuesto por Bert Russell / Phil Medley popularizado por los Isley Brothers y The Beatles, siendo la versión de estos últimos la más conocida mundialmente. Inspirada en los ritmos caribeños y latinos de mediados de siglo XX, tiene como referencia a La Bamba y quizás sea esta marca de origen lo que provocó la historia de su grabación en 1963, cuando la banda de Liverpool produjo su primer Album. Please Please Se me grabó en una sesión maratónica de diez horas, en la que Twist and Shout fue la última canción porque el productor George Martin había previsto el posible desenlace. Lennon estaba resfriado por aquellos días y pasó la jornada tomando leche tibia y comiendo caramelos para suavizar las cuerdas… pero ni eso pudo contra la fuerza negra-latina que latía en el origen de la canción.

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“Es una promesa” x Graciana Miller

Graciana Miller es una escritora de Fiske Menuco próxima a editar “Quisiera caminar hasta la barda rojiza para darte mi corazón”, libro de poesías del que en este podcast lee “Es una promesa”. ¿De dónde nace la ligazón que tenemos entre las personas? Pareciese ser que nosotres, siempre llevados por la inclinación gregaria no podemos más que ser un grupúsculo de personas separadas/escindidas, y nos fuese preciso una especie de sacrificio que nos enlace capaces de ver al otre tras los hilos de la telaraña. Tributarnos mediante un rito actuado para acercar las almas en una comunión de reciprocidad. Estar juntos impedidos por una opacidad que nos envuelve… como los alambrados que marcan la tierra e inventan los lados disímiles en aquello donde la continuidad es una ley alienada.

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“La Fiesta del Viejo” x Clarisa Hernández

Clarisa Hernández es una mujer de teatro que actúa, dirige y produce. Participó de la “Fiesta del viejo”, una reescritura de “El Rey Lear” de William Shakespeare, que actualiza tiempo, escenarios y nombres para tratar problemas que en nuestra cultura se nos tornan universales porque agarran el día común sin partir de abstracciones vacías y sueltas de lo que nos pasa mientras vivimos. Gombrowicz alumbra sobre esto cuando sostiene que Ibsen y Shakespeare escriben historias trascendentes porque logran “la vida corriente llevada a las alturas del drama”… como los pandilleros de Romeo y Julieta en el siglo XX batiéndose a duelo en una estación de servicio con Berettas 9 mm de quince tiros… o como Richard Linklater antes del amanecer, antes del atardecer y antes de la medianoche, que recorre la curva del amor en el que varies pueden identificarse; amor que sabemos se inicia diez minutos antes de un beso y lo recordamos diez años después. El drama y la tragedia tienen escena entre platos de ñoquis, vino y la luz que se filtra por el ventanal de una casa donde las personas miran el celular mientras las tormentas van nublando los corazones.

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Episodio 3. Carlos Polimeni nos comparte una historia de radio.

Carlos Polimeni es una persona de medios que se mueve entre la gráfica, la televisión y la radio. Es quizás en esta última donde su voz es una marca registrada ineludible al momento de pensar en figuras contemporáneas que sean un ícono del medio y su lenguaje. Aquí nos comparte una historia que construye fielmente la idea de que producir radio es tomar el mundo de las cosas que pasan en su infinito y decidir qué hacer para acompañar a los oyentes durante un rato. La producción es un ejercicio creativo colectivo que traza planes para contar una historia que interese, pero muchas veces los tercos hechos que se enredan con otros tiran una taza de café frío en las anotaciones que organizaban la correcta ejecución del relato y es preciso improvisar veloces y seguros, con un pulso alocado e indómito que deja salir lo que las cuerdas de una voz tienen que ocultar: se improvisa para sortear la pequeña tormenta desatada. Actuar entregados a las circunstancias provoca una áurea brillosa que tiñe el momento y deja ver que el encuentro de las personas en lo hecho es una comunión de la que todos participamos tomados en el alma desde el oído. La radio siempre está en nuestra soledad para hacernos saber que estamos acompañados… incluso en el día más triste en que abandonaste una casa y la vida en ella.

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Cápsula de Tango. Capítulo 4. Rubén “El Negro” Juárez

Rubén “El Negro” Juárez es uno de los rockeros del tango. Capaz de conjugar con habilidad la ejecución del bandoneón con el canto, compuso e interpretó canciones inmortales del repertorio popular rioplatense. Apadrinado por Aníbal “Pichuco” Troilo, se inició en la profesión de músico con los mejores… a quienes dejaba pasmados cuando le oían darle al fuelle mientras entonaba unos versos. Más de una vez, incrédulos, envidiosos y desconfiados, le decían. “¿cómo hacés pibe… cómo hacés?”. Cuando se presentó en la primera edición del ciclo Encuentro en el Estudio, conducido por Lalo Mir, interpretó “Desencuentro” (de Troilo y Castillo) y se lo pudo ver allí instalado en el centro de la escena con una aura que irradia al espíritu del tango saliendo en vuelo desde sus dedos, voz y ojos… su mirada instalada en la visión del “Flaco” a quien le habla para decirle: “por eso en tu total fracaso de vivir ni el tiro del final te va a salir”… porque el tango siempre le cantó, como una cartografía de las almas en pena, a quienes perdidos por allí no saben que trole hay que tomar para seguir y creen que se resuelve cruzando el mar.

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Juan Pablo Jerez recomienda Point, de Cornelius

Juan Pablo Jerez es un diseñador gráfico e ilustrador patagónico que reside en Italia desde hace varios años. Participó de la edición de Toponimia Ilustrada de Río Negro, libro que desentraña los nombres de las localidades de esta provincia y muestra las marcas del proceso civilizatorio en la política oficial, los movimientos pioneros y los vestigios de los pueblos originarios. Si le revisas un poco su perfil de Facebook hay dos datos que apuntan fuerte en una dirección deportiva: le gusta el fútbol mágico y lo alimenta con la fantasía cultora de los que buscan joyas difíciles de encontrar; junto al Diego, señala que el gusta “El Trinche Carlovich”… ese nombre dice mucho, demasiado, a los pocos que lo conocen. Quienes lo vieron jugar dicen que era mejor que Maradona, y que Rosario se congelaba al calor de sus gambetas y enganches los domingos en la cancha. De modo que este amante de las perlas raras trae consigo un disco recientemente reeditado tras diecinueve años de vida: Point, de Cornelius.

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Cápsula de Tango. Capítulo 3. Juan Campodónico.

Juan Campodónico no precisa quien le escriba… puede definirse… de modo que citaremos su bio… pero antes lo siguiente: cuando ingresás en www.juancampodonico.com (quizás el mejor sitio de internet jamás diseñado que exprese en su totalidad el concepto que sintetiza sobre lo que se versa) podés escuchar una sesión de una hora, siete minutos, cuarenta y siete segundos, que inicia con una locución de Alfredo Zitarrosa afirmando lo siguiente: “La milonga es hija del candombe así como el tango es hijo de la milonga”. De modo que “influenciado por el candombe (de origen afro uruguayo) el tango y la milonga, músicas que representan la gran mezcla de culturas que se dio en la región, Juan integra de manera única esos sonidos y ha definido nuevas formas que rescatan gestos e integran estas tradiciones musicales muchas veces no valoradas y afectadas por la visión colonialista y estandarizada que existe de la cultura latina. Estas ideas se han hecho explícitas – de formas muy distintas- en Bajofondo y Campo.”

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Episodio 2. Eso que ustedes pusieron en marcha tiene vida para rato. Ricardo Haye.

Ricardo Haye es una persona de radio parada en la bisagra de un medio y un lenguaje que tras haber cumplido cien años desde la primera transmisión realizada en América Latina, hoy se reinventa en la posibilidades de las nuevas plataformas que ofrece Internet. Dedicado a formar jóvenes con ansias de ser profesionales, conoce la historia y las condiciones de producción para que la comunicación del sonido telemático ocurra. El medio transmuta por el desarrollo de las innovaciones tecnológicas y las prácticas sociales habituales de una audiencia que frente a la flexibilización de la programación, aferrada al hierro en un grilla de grilletes en el pasado, se dispone a la demanda en línea de las ganas, las ansias y las disponibilidades de una escucha oportuna al tiempo de un cuerpo y un alma que busca la compañía a su propio tiempo. Los locos lindos no se imaginan el porvenir cuando se dedican a la creación de los sonidos interestelares porque están tomados por el juego del instante, pero los que vienen después, con algo de tiempo para ver el impacto de las cosas, pueden poner en perspectiva, cultivar con método, y jugar con plan en un tablero dibujado para hacer firuletes mágicos.

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Bandas Sonoras: “Perros de la calle”

Quentin Tarantino tiene una respuesta interesante a la pregunta “¿fuiste a la escuela de cine?”; él suele responder “fui al cine”. Cuando se escucha su nombre la imagen acústica reconstruye a un director enorme con una trayectoria de cientos de películas… bueno, no son tantas, es más, son pocas en relación a la dimensión de si figura… el tema es que son muy buenas. Todas y cada una creadas como tributos y parodias a la historia cinematográfica y televisiva californiana, condensan de manera creativa la cultura masiva, la transposición popular y la realización críticamente razonada con la potencia expresiva del lenguaje audiovisual. “Perros de la calle” iba a ser una película de bajo presupuesto, sólo contaba con treinta mil dólares para su realización, pero un productor obstinado y sabueso, capaz de oler una potencia brillante, hizo llegar el guión a Harvey Keitel, quien logró ampliar el presupuesto a un millón doscientos mil dólares y atraer el interés y compromiso de muy buenos actores del mainstream hollywoodense. Resultado: la mejor película independiente jamás realizada (y si bien puede ser cierto, tenemos que decir “bah, según la revista inglesa británica Empire”, dedicada a promocionar contenidos de habla inglesa… y como sabemos, los ingleses lanzados al mundo son genocidas sin código que se apropian de todo… y esto quizás les haga perder algo de peso para la afirmación anterior); pero sin más deriva: Alta Película en la que la banda de sonido hace el contrapunto dramático a lo que se ve en pantalla.

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Set Electrónica x Nacho Guggini

Ignacio “Nacho” Guggini es una artista del alto valle que incursiona en la música electrónica y la realización audiovisual, y es un participante de la convergencia de caída directa en la era digital. Algunas de sus composiciones forman parte de la selección que realiza todos los días Hate Lab en youtube bajo la etiqueta New Techno & Experimental Tracks. Nacho busca contar una historia través de sonidos por momentos nostálgicos y por momentos desesperantes. Las frecuencias sonoras se moldean para ajustarse a la narrativa de este productor, generando un relato abstracto que promueve la atracción hacia lo que se propone. La música electrónica tiene ya más de 100 años y como invención moderna recorrió la curva que parte desde los inventores extravagantes, los robos corporativos y los grandes clousters industriales de la tecnología de las telecomunicaciones, hasta las apropiaciones populares y las versiones contra y paraculturales antihegemónicas, y finalmente los festivales globales hiper dirigidos por las marcas globales… en fin, toda una experiencia de nuestro mundo y esfera cultural donde también se hace para la definición de quiénes somos y lo que nos gusta.

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Episodio 1. Subidos a las terrazas con antenas, transmisores y una esperanza sin fin. Mario Bravo

Mario Bravo es un rionegrino por residencia vital que le dio a esta tierra norpatagónica, y obtuvo de ella, cuarenta años de devenir. En una provincia joven como ésta, concebida en la maquinación infértil de su pertenencia a un desierto que se debía conquistar, la modernidad siempre es algo tardía… y probablemente nunca llegue a experimentarse del todo. Pero como este territorio es en realidad una estepa, contiene muchas cosas más de las que se pueden advertir a golpe de vista cuando, de manera fatal, se acepta el esquema propuesto por alguna mentalidad inerte… y sólo algunas personas son capaces de imaginar, contra todo pronóstico, la realización de los intentos jamás creídos; almas que revuelan el aire como mariposas en una mañana de sol, con todo el día por delante, edificando las naves con las que atravesar el tiempo con las velas en alto. Mario encarna el espíritu de los viejos muchachos modernos que subidos a las terrazas con antenas, transmisores y una esperanza sin fin, se montan en el espectro radioeléctrico para lanzar las ondas en frecuencias moduladas que encuentren a les otres y acompañen la jornada mientras se toma el mate, se arregla el auto, se barre el jardín, se lee un libro y se hace el amor.

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“El Oráculo” x Coni Rosman

Coni Rosman es una Licenciada en Artes que comprende el impacto de la convergencia digital. En un mundo tejido por redes de fibra óptica la materia de las obras es nueva y la plasticidad y liquidez para trasponer algo en otra cosa es casi infinita… si se sabe algo de programación y se dedica el tiempo. Actualmente, quizás tras la lectura de Volverse Público, libro en el que Boris Groys aborda “las transformaciones del arte en el ágora contemporánea”, por medio de eloraculo.com.ar lanza pistas de tus circunstancias y te ofrece un texto visual con logos para que te interpretes; un oráculo digital construido con el casi infinito archivo de las imágenes de nuestra humanidad producido por la cultura popular en formato audiovisual como un espejo de bits en el que ver los pliegues del alma. Reza su portada: “La información te será develada, según tu disponibilidad para creer en la magia de los algoritmos.” Y nos cabe preguntarte ¿tenés voluntad de creer en la fe de creer en el mundo de los 0 y 1? Quizás la vida sea siempre un caja negra en la que jugar con nuestra lucidez mientras tengamos tiempo, de modo que te recomendamos conocerla; interpreta nuestro mundo digital.

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Coni Rosman recomienda Jon Rafman

Coni Rosman es una fotógrafa argentina y Licenciada en arte que se inició profesionalmente muy joven: cuando tenía 15 años la revista LEA publicó en la nota de tapa una fotografía suya tomada a Rodolfo Fogwill… ¡que inicio ¿no?! En este post recomienda el trabajo del artista digital Jon Rafman, conocido por su obra en línea construida con el entorno digital de Google Street View. Sobre él en artsy.net se lee: “Preocupado por la tensión entre la indiferencia de la cámara y la búsqueda humana de significado, ha dicho: mientras celebran y critican la experiencia moderna, las herramientas tecnológicas mismas muestran cómo pueden alejarnos de nosotros mismos”. Navegar por 9-eyes.com es un viaje sin gastar dólares en el que las escenas de la vida cotidiana de las personas se revelan a través de las lentes montadas sobre autos que recorren las calles… Podríamos espantarnos, pero también recordar que hubo en tiempo en que los imperios navegantes del mar apostaron personas alrededor de globo con cartas náuticas, reglas paralelas, lápices, brújulas magnéticas, cuadrantes y sextantes para construir los usos horarios del planeta en pos de mejorar el enunciado “The time is money”… ups, tenemos que espantarnos.

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Inés Bayala recomienda Nancy Pedro

Inés Bayala parece en silencio y vista a través de una pantalla una de las mujeres “malas” de rock, pero en cuento le das play en algún reproductor en línea surge la dulce voz del folklore brotando de un campo de caña y la canción latinoamericana nacida de la tierra pasa por ella para llegarnos… y el desfasaje ilumina porque la figura es más allá de cualquier estereotipo y con ello se prevé una artista que hace lo propio en la maravilla de ser. Compositora de un cancionero interpretado por varies, partícipe de diversos proyectos musicales, conocedora de lo que anda dando vueltas por ahí, nos acerca a Nancy Pedro, una cantautora de Tafi Viejo que vive para cantar y canta para vivir.

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Cápsula de Tango. Capítulo 2. Eladia Blázquez.

Eladia Blázquez es la vida desatada con la fuerza de mil tormentas. Capaz del silencio que la preanuncia y portadora de la energía para deshacerlo todo y volverlo a edificar, compuso 209 temas y canciones fundamentales del cancionero popular argentino. Se dedicó a varios géneros hasta que logró cortar el telón del machismo tanguero y se erigió como una pieza fundamental del nuevo tango argentino con puentes hacia el pasado. Escribió la letra de “Adios Nonino” y es de suponer que el encuentro con su compositor produjo una de las escenas más intensas en la que dos conocedores de la profundidad insondable del vivir, bajaron con sus almas a la fuente de un amor verdadero y fundante para elevarlo a oídos de todos. Eladia soltó mensajes telepáticos desde la frontera de nuestra sociedad para decirnos algo que tenemos que aprender, algo de lo que nos tenemos que convencer: Y ser, al menos una vez, nosotros / sin ese tinte de un color de otros / Recuperar la identidad / plantarnos en los pies / crecer hasta lograr la madurez / Y ser, al menos una vez, nosotros / tan nosotros, bien nosotros, como debe ser… / Convencernos un día de veras / que todo lo bueno no viene de afuera / Que tenemos estilo y un modo / que hace falta jugarlo con todo.

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“Noche” x Mauro Di Tocco

Mauro Di Tocco aprovechó el tiempo de la pandemia para producir y lanzar su primer álbum digital en sus redes sociales de instagram, bandcamp, youtuve y Facebook: MDT (Full EP). En una publicación de su feed de instagram se lee: “La música es mi disciplina espiritual, tocar me genera una conexión con el todo (…) El bajo es la herramienta que encontré para llegar a esa conexión. La primera vez que escuché uno fue aproximadamente a los seis años en una casa vieja de pisos de madera… cuando los low viajaron por mi cuerpo fue un viaje de ida.” En pistas con títulos de una palabra el bajo te toma del pecho y te saca por la ventana para andar un rato fuera de casa, relajade y con la sensación de que la nueva normalidad no es algo en la que todo se fue al carajo, y que tras un tiempo, cuando todo esto pase, si nos detuvimos a sentir las vibraciones, podremos ajustar nuestra frecuencia para ser graves, profundos y livianos.

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